Por Rodrigo Seijas
Mañana se estrena la nacional Soleada, ópera prima de Gabriela Trettel, quien ya venía acumulando varios trabajos en el cortometraje. El film, centrado en el proceso de introspección que realiza una mujer que supuestamente ha logrado todo en su vida, tiene desde su misma premisa un planteo sumamente femenino y se permite reflexionar sobre los deseos de la mujer, sus potenciales frustraciones y la necesidad de pensarse permanentemente.
En conversación con FANCINEMA, la realizadora habló sobre el punto de vista de la mujer en el cine argentino, las conexiones de la película con su filmografía previa, el proceso de producción del film y sus expectativas de cara al lanzamiento, entre otros temas.
-¿Cómo surgió el proyecto? ¿Qué conexiones y diferencias ves con tus cortometrajes que hiciste previamente?
El proyecto surge a partir de una crisis personal que me permitió empezar a cuestionar el rol de la mujer dentro de la familia, los mandatos sociales que nos atraviesan sin darnos cuenta y cómo todo eso nos hace avanzar en la vida sin detenerte a reflexionar, a pensar si es realmente lo que querés.
Encuentro conexiones en cuanto a lo que me moviliza a mí para contar una historia que tiene que ver con los vínculos, los roles de las personas en los distintos formatos afectivos, el desamparo, y el universo femenino que es algo que siempre me interesa indagar y poner en cuestión. Me parece que en general mis cortos anteriores en lo que más se diferencian entre ellos y con respecto a la película es en la propuesta estética, en el uso del lenguaje cinematográfico, en la puesta de cámara por así decirlo.
-¿Cómo es hacer cine femenino en la Argentina? ¿Qué implica rodar un film con la figura femenina como centro y ser directora?
Lo que a mí me pasa es que hablar desde lo femenino es desde donde me siento más identificada para decir algo. Yo creo en la combinación entre lo masculino y lo femenino, en la convivencia de género con respeto, asumiéndonos en las diferencias. Por eso, hacer una película donde la protagonista es una mujer y la directora también lo que hace es impregnar de una mirada femenina todo el proceso, pero el producto es el resultado de ambas cosas. Hacer cine desde este puto de vista es darle voz a lo que las mujeres tenemos para decir, y eso me parece fundamental y necesario.
-Ya desde el mismo título hay un juego de palabras sobre la soledad (y la mujer sola) que se va trasladando al relato. ¿Cómo se trabajó esa introspección casi obligada que atraviesa a la protagonista desde lo actoral?
El trabajo con el elenco empezó mucho tiempo antes del rodaje; igualmente el proceso de introspección empezó antes que eso. En la dirección de actores trabajé con Gabriela Aguirre, entonces con ella indagamos mucho sobre el personaje, antes de definir a la protagonista, y cuando empezamos a trabajar con Laura Ortiz (Adriana) la sumamos a ella a este ejercicio. Eso trajo consigo muchas reuniones, y muchas charlas donde empezamos a conocernos un poco más y a intercambiar experiencias personales. Después todo eso se fue trasladando al personaje, transformado, porque en realidad esto era un puntapié para llegar a Adriana. Laura trabajó mucho sobre el personaje y ella tiene una sensibilidad particular que la llevó a los lugares que Adriana necesitaba.
-El paisaje juega también un papel importante, como si fuera un personaje más que dialoga con Adriana. ¿Cómo se fue configurando este vínculo desde la puesta en escena, el guión y la estética?
Desde el guión empezó a tomar protagonismo el entorno: luego de una clínica que tuvimos en el concurso de Desarrollo de Proyectos Raymundo Gleyzer fue algo que empecé a trabajar específicamente con un fin dramático. Empecé a pensar y definir cómo jugaba el entorno en la historia y entonces en la búsqueda y la definición de la puesta en escena era algo que ya estaba planteado, la búsqueda venía por ese lado. Lo complejo del cine a veces es que esas búsquedas no queden en el camino, porque después definís la locación y ahí tenés que readaptar tu idea, pero es algo que siempre tuvimos presente y que hablamos mucho con Hugo Colace (DF) y con el montajista, Martín Sappia.
-Desde hace varios años Córdoba ha ido consolidando una producción propia y consistente. ¿Para vos se puede hablar de un “cine cordobés”? ¿Ves a tu película como parte de ese conjunto?
Es cierto que en los últimos años empezó a sonar más fuerte la voz cordobesa en el cine y veo a mi película como parte de ese conjunto por el hecho de que es una producción que sale desde Córdoba. En ese sentido, sí, hay un cine cordobés.
-¿Qué expectativas tenés de cara al estreno comercial en Córdoba y Buenos Aires? ¿Qué opinión te merece la mirada porteña respecto al cine que se hace en “el Interior”?
Las expectativas son grandes, y más allá de eso, me parece que la película es accesible en cuanto a lo que muestra y la forma en la que lo hace, entonces creo que puede llegar a un público general y conmover.
Es importante que exista la diversidad de voces, que las provincias puedan retratar su idiosincrasia y en ese sentido que salgan a la luz producciones de otras provincias nos abre la cabeza a todos.
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