Por Rodrigo Seijas
El jueves se estrenó Tiempo muerto, coproducción argentino-colombiana ubicada en el terreno del thriller sobrenatural y espiritual, donde un hombre que acaba de perder a su esposa (Guillermo Pfening) se encuentra con la oportunidad no sólo de volver a verla, sino incluso de recuperarla. Su director y guionista, Víctor Postiglione, habló con FANCINEMA sobre los orígenes del proyecto, los desafíos de trabajar en el contexto de una coproducción, la conformación del elenco y las diversas elecciones de puesta en escena, entre otros tópicos.
¿Cómo fue naciendo la idea para la película y su traslado al guión?
Nació de un sueño que tuve con mi papá, que había fallecido. En ese sueño, yo me encontraba con él y le decía cosas que me había quedado con ganas de decirle. Cuando me desperté, me dije: «Me encantaría saber de una persona que haga esto, que me venda un tiempo con una persona que ya falleció, como si me vendiera un servicio”. Lo había sentido tan bien que me puse a averiguar si esto pasaba de verdad. Pero siempre eran encuentros espirituales, nunca con la concreción de la persona. Ahí empecé a idear lo del tiempo muerto. Luego fue trasladar todas mis ideas al guion. El proceso creativo fue muy interesante, ya que tuve que investigar mucho sobre fenómenos espacio-temporales, mitos, leyendas esotéricas. Cree la idea de un Tiempo Muerto desde cero. Le di mis propias reglas. Traté de generar un mundo original donde los personajes puedan moverse con un elemento fantástico pero que sea verosímil para los tiempos que corren. En la película lo expreso: son tiempos que ya pasaron, pero que no pertenecen a ninguna línea temporal. Son recuerdos, pero no sabemos en qué línea ubicarlos.
-¿Qué desafíos implicó trabajar con un régimen de coproducción?
Filmar en co-producción fue un proceso de aprendizaje constante. Me hizo crecer mucho como director y aprender sobre una cultura muy interesante como es la colombiana. Estuvimos ocho semanas entre pre-produccion y rodaje. Fue desde el principio un desafío que decidimos encarar y es algo que no me arrepiento para mi carrera. Teníamos mayoría de equipo técnico colombiano y la verdad que fue muy placentero trabajar con ellos. Son gente muy profesional. El trabajo con los actores se planteó desde dos escuelas de formación muy diferentes. Los actores colombianos vienen del rigor escénico, de la estructura, de ser fieles al libro, diferente a los argentinos que son más pasionales y buscan la improvisación constante, jugar con los diálogos y hacerlos propios. Me gusta afrontar los desafíos que se presentan en mi profesión.
-¿Cómo fue el trabajo de casting? ¿Qué aportaron los actores protagonistas en sus respectivos papeles?
A Guillermo lo tenía presente para el papel de Franco, junto con otra opción de actores, pero me terminó de convencer cuando volví a ver Nacido y criado, de Pablo Trapero. En él encontré la sensibilidad que requiere este personaje. A Luis Luque lo tenía pensado desde las bases del guión para el papel de Ayala y la verdad que me siento muy bien con la elección del reparto principal. Creo que es lo más atinado que tiene el film. Son comunicadores en una historia que tenemos que armar como un rompecabezas. A María Nela Sinisterra la conocí de otras películas y me pareció un acierto tenerla como Julia. Una mujer inteligente, y muy sensible.
-El film transcurre mayormente en espacios cerrados, casi claustrofóbicos. ¿Fue deliberado o por cuestiones de presupuesto? ¿Cómo trabajaste este factor desde la puesta en escena?
En realidad trabajamos más el tema de los espacios en orden progresivo. Al principio no son para nada cerrados, es más, son abiertos. A medida que el personaje se va quebrando lo vamos limitando a su espacio. Fue una elección desde la puesta en escena. Limitar al personaje cada vez más, desde todos los recursos para dejarlo en un estado de locura.
-La banda sonora es casi un personaje más. ¿Cómo se abordó este elemento y qué se buscó aportar?
La música a manos de Pablo Borghi es, por suerte, un aporte muy grato a la película. Trabajar cine de género sin una buena banda sonora sería un pecado. Nos basamos mucho en pasajes de películas de Hitchcock, y en un compositor que sabe manejar el género como Michael Giacchino. La serie francesa Les Revenants tuvo mucho de influencia para esta película. El aporte siempre fue crear música para cada personaje y que cada uno accione acorde a los conflictos que se le presentan.
-Lo sobrenatural es todavía un terreno poco explorado en el cine argentino e incluso latinoamericano. ¿Qué aporte creés que puede hacer un film como Tiempo muerto?
Desde hace un tiempo que el cine argentino apoya la iniciativa de cine de género. Yo gané el concurso de Óperas Primas del INCAA con este guión. Es claro que hay una movida y un pensamiento mucho más abierto ahora con los proyectos y los guiones que se escriben. No creas que es un terreno poco explorado. Quizás todavía cueste mover un tipo de proyecto que maneje un género de estas características, pero por suerte los tiempos están cambiando. Hoy en día las plataformas digitales hacen que los directores puedan mostrar sus trabajos de manera independiente y se ve un mundo muy interesante de películas que abarcan este tema. Yo creo que si mi película se ve en cines -así como otras de género que llegan a salas comerciales- sirve como aporte a los directores que son fieles a sus principios y que crean que pueden seguir peleando por meter sus proyectos en los cines.
-¿Cómo te imaginás que puede ser la recepción de los espectadores? ¿Qué expectativas te genera?
Van a ir a ver una película con una premisa que quizás toque a la mayoría de los espectadores de cerca, con tan solo preguntarse “¿Qué harías si tuvieras la oportunidad de ver un familiar fallecido una vez más?”, que es algo que muchos anhelarían tener. Y lo más importante es hasta cuánto llegarías para cumplir ese deseo. Mis expectativas son las de un ópera primista. Con verla en los cines es un sueño cumplido para mí. Todo lo demás será un regalo o un aprendizaje para mis próximas películas.
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